Para quem não sabe, O Artista é um longa em preto e branco, e mudo! Se você acha que ele foi produzido na década de 1920, está muito enganado. Pelo contrário, é a nova produção do diretor francês Michel Hazanavicius, que estreiou essa sexta-feira (3) no Brasil. Dá uma olhada no trailer:

O roteiro se passa no fim dos anos de 1920 (justamente na passagem do cinema silencioso para o sonoro) e conta a história da paixão de George Valentin, um galã de Hollywood, e Peppy Miller, uma das fãs do astro. Tudo acontece a partir de um inesperado encontro no tapete vermelho. Nada muito novo, né?!

A questão é que desde a exibição no Festival de Cannes, O Artista não para de ganhar prêmios. Contabilizam-se mais de 130 indicações, além das dez do Oscar.

A pergunta que fica é: Porque um filme que não traz novidades de roteiro e repete um formato de filme já ultrapassado, anda criando tanto reboliço no público? De quem você acha que é o mérito? Do diretor? Do roteirista? Do fotógrafo? Dos atores?

Ao receber o prêmio, a dulpa de cineastas leu um manifesto de três minutos, denunciando os episódios  ocorridos na USP, na Cracolândia e no Pinheirinho, em que a Polícia Militar da Cidade de  São Paulo agiu com violência contra a população.

Dá uma olhada na gravação e acompanhe o manifesto trasncrito para responder: o cinema é apenas entretenimento ou deve ter algum tipo de engajamento social?

De um lado, pelo menos 1.600 famílias que lutam pelo direito de morar no bairro do Pinheirinho, em São José dos Campos (SP), ocupação que tem oito anos de existência. Do outro, mais de 2.000 policiais militares e civis cumprindo ordens da Justiça Estadual e da Prefeitura de São José dos Campos, em favor da massa falida da empresa Selecta, pertencente ao mega-especulador Naji Nahas. Ainda que não houvesse outras circunstâncias agravantes no caso, já seria possível constatar que as instâncias dos poderes executivo e judiciário fizeram a opção, em Pinheirinho, pela lei que protege a especulação imobiliária, em detrimento do direito das pessoas à moradia. Vence mais uma vez a política do coturno em prol do capital.

De um lado, bombas, armas, gases, helicópteros, tropa de choque. Do outro, dois revólveres apreendidos. Não há notícia de que tenham sido usados. Uma praça de guerra é instalada – numa batalha em que um exército ataca civis. Não há plano de realocação das famílias. As que não conseguiram ou não quiseram fugir, ou receberam dinheiro para passagens para outras cidades, ou estão sendo mantidas cercadas, com comida racionada, como num campo de concentração. A imprensa não pode entrar no local, não pode fazer entrevistas, e os hospitais da região não podem informar sobre mortos e feridos. O que se quer esconder? O Governo do Estado lavou as mãos diante do caso, assim como o Superior Tribunal de Justiça. O Governo Federal tardou em agir. A chamada “função social da propriedade”, prevista na Constituição Brasileira, revelou-se assim como peça de ficção, justamente onde a ficção não deveria ser permitida.

Mais uma vez, o Estado assume o papel de “testa de ferro” para as estripulias financeiras da “selecta” casta de milionários e bilionários. A política do coturno em prol do capital vem ganhando espaço. Assim está acontecendo na higienização do bairro da Luz, em São Paulo, preparando-o para a especulação imobiliária; assim vem acontecendo na repressão ao movimento estudantil na USP, minando a resistência à privatização do ensino; assim acontece no campo brasileiro há tanto tempo, em defesa do agronegócio. Os exemplos se multiplicam. E não nos parece fato isolado que, hoje, a quase totalidade dos subprefeitos da cidade de São Paulo sejam coronéis da reserva da PM. Nós, trabalhadores artistas, expressamos nosso repúdio veemente a esse tipo de política. Mais 1.600 famílias estão nas ruas: a lei foi cumprida. Para quem?

É por vídeos como esse, que eu achei numa madrugada despretensiosa de procrastinação no YouTube, que eu te amo, internet. Este “clipe” de Hello, do Lionel Richie, exprime a essência da fusão entre música e cinema e, certamente, a essência desta humilde coluna.

O realizador deste vídeo, um talentoso anônimo, apenas foi lá e fez. Com uma excelente escolha de cenas clássicas da cinematografia mundial e uma edição caprichada, o filme traz o playback da canção original de Richie na voz de astros do cinema como Woody Allen, Bruce Lee, Leslie Nielsen, Sacha Baron Cohen, George Clooney, Laurence Fishburne, Tom Cruise e muitos outros – nem os primatas da primeira versão de  escaparam.

Na verdade, não tem muito o que analisar: trata-se de um grande mashup de cenas que resultam num clipe engraçadíssimo. E é bom dizer, de gosto muito mais apurado do que o original de Hello, habitué do saudoso Piores Clipes do Mundo, com o Marcos Mion.

“A cópia da pré-estreia de Tropa de Elite 2 vai chegar no carro do Bope (Batalhão de Operações Policiais Especiais), assegurada por eles”, brincava o produtor do filme Marcos Prado. Bem que poderia. Tropa de Elite, segundo pesquisa realizada pelo Ibope e encomendada pelo próprio produtor, foi visto por cerca de 11 milhões de pessoas em cópia pirata. Já o número de pessoas que pagou para assistir ao filme na telona corresponde a apenas 30% do total de espectadores. Para o segundo longa da turma comandada pelo capitão Nascimento, que estreou em outubro, todo cuidado era pouco.

“A edição foi feita num apartamento de que só eu e o Zé (Padilha, diretor do filme) sabíamos o endereço. A pirataria pode ser feita nessa hora ou na mixagem de som e tomamos o maior cuidado. Até porque, se vazasse, estaríamos fritos com nossos patrocinadores”, diz Prado.

Preocupação que passou por todos da equipe, como o diretor de fotografia do longa, Lula Carvalho. “A questão da pirataria foi um problema, uma febre mesmo. Pouquíssimas pessoas viram o filme que eu fiz de verdade, com a luz e as cores certas. Mas, pelo menos, atingiu um grande número de pessoas e assim contribuímos para a formação de público do cinema nacional”, comenta.

A expectativa para Tropa 2 era grande. Nele, o ator Wagner Moura volta como capitão Nascimento para tratar de questões de segurança pública e abordar o papel da política do Estado – e não apenas para falar da violência através do olhar da polícia. “Nesse segundo filme, abordamos a questão dos milicianos e traficantes. Tivemos vários assessores para a construção dos personagens, que foi feita sob a supervisão da preparadora de atores Fátima Toledo. O Zé dá muita liberdade a eles”, observa o produtor.

Para Prado, o desafio de Tropa 2 foi fazer um filme que não perdesse em qualidade para o primeiro. “Usamos efeitos especiais e tivemos uma produção mais elaborada.”, revela o produtor, que prefere não comentar o valor total da produção. “O primeiro custou R$ 11 milhões. Esse foi um pouco mais caro, até porque se passaram dois anos. Mas o filme foi financiado não só com incentivos fiscais, recebemos investimento privado também.”

Numa casa amarela com rede na varanda, em uma rua residencial do Jardim Botânico, está localizada a produtora, que conta hoje com uma equipe fixa de sete pessoas. A dupla dinâmica cultiva a parceria há mais de dez anos. “É importante manter essa estrutura pequena, por questões de valores mesmo. Queremos continuar nessa linha de produção de filmes e documentários que abordam um lado social”, afirma Prado.

Do fim dos anos 1990 para cá, a dupla já realizou diversos trabalhos, como Pantaneiros, Garapa, Ônibus 174 e Estamira. “Tivemos sorte de não precisar realizar trabalhos institucionais ou publicitários. Buscamos uma responsabilidade maior. Sempre tivemos essa preocupação. Nos documentários, criamos uma relação quase familiar. Na hora de prestar conta lá em cima, quero saber que deixei um legado e que não vim a lazer”, afirma o produtor.

Em relação ao salário mínimo, o ingresso paulistano é mais caro do que o de cidades como Paris, Tóquio e Londres, e só perde para o valor praticado em Joanesburgo, na África do Sul. Dá uma olhada na tabela publicada na UOL:

Agora fala você! O que você acha dessa pesquisa sobre o preço do ingresso nos cinema de São Paulo? Aproveita e conta para nós como é o preço na sua cidade também!

Seus filmes foram todos aclamados pela crítica e muito bem recebidos pelo público, caminhando contra o sistema e propondo histórias cada vez mais delicadas, cotidianas e banais. Esse grande apreciador do homem comum apresenta no Brasil Mademoiselle Chambon, uma pérola sobre amores impossíveis, sem um pingo de sentimentalismo. Um filme raro. A Beta entrevistou Stéphane Brizé em Paris. Acompanhe a seguir os principais trechos da conversa.

O crítico de cinema Celso Sabadin descreveu o filme como “francês de corpo e alma”, sublinhando os “longos momentos de silêncio, pausas. olhares, sutilezas”. Seu filme faz parte de uma maneira de filmar ou de uma sensibilidade tipicamente francesas?

Nós somos sempre o fruto de uma história, de todas as vibrações que compõem um povo e que são transmitidas de geração em geração, criando os traços comuns de caráter e sensibilidade. Mesmo assim, nós somos o fruto de diversas misturas, porque, sem dúvida, eu já vi, li e escutei mais obras estrangeiras do que francesas. Se tivesse que apontar as pessoas ou épocas que me inspiram, eu diria, imodestamente, Maupassant, Flaubert e Ozu. Quanto às produções francesas atuais, o grande número de filmes me permite descobrir obras magníficas. Não sempre… mas com frequência. E eu não faço parte daqueles que ficam o tempo todo criticando (o que é um esporte nacional na França) o que se faz por aqui. Eu não subestimo nenhum gênero no cinema. Contanto que seja bem feito.

Mademoiselle Chambon é um filme muito audacioso, pelo modo como ele mostra as esperas e o silêncio de maneira frontal, enquanto a tendência do cinema (mesmo francês) parece ser o ritmo cada vez mais dinâmico, evitando sempre os tempos mortos. Por que você optou por essa dinâmica contemplativa?

Em todo o filme, existe apenas uma dezena de sequências com montagem. Ou seja, 95% do filme é feito em plano sequência, sem corte entre o início e o fim da cena. Por isso, foi preciso calcular muito bem o ritmo do filme, já que ele não poderia mudar com a montagem. Ao mesmo tempo que aprecio certa lentidão, detesto entediar as pessoas. Às vezes é preciso sacrificar cenas formidáveis, mas que não acrescentam muito ao filme. É um grande exercício de humildade.

Falando em lentidão, o trailer de Mademoiselle Chambon é surpreendente: uma imagem apenas com dois personagens em silêncio. ouvindo música, é um fragmento que transmite muito bem a atmosfera do filme, sem contar a história. Você trabalhou diretamente com a equipe de promoção e distribuição do filme?

Tenho que admitir que sou bastante intervencionista em todas as etapas de construção do filme, desde o roteiro até o pôster e o trailer. Mas, além de uma vontade de controlar tudo, eu acredito que o momento de refletir sobre a maneira de apresentá-lo ao público é muito interessante. Esse trailer peculiar fui eu que fiz. Existia outro, mais clássico, feito por uma empresa especializada nesse tipo de trabalho. Não era ruim, mas o filme resumido em 90 segundos se parecia com qualquer outra história de amor. Não havia nada de especial. Mas, nessa etapa, nenhum distribuidor aceitaria o trailer que eu queria propor. Precisaria ser muito audacioso para vender um filme assim. E, no final, eu tinha razão, porque não adianta nada ter um ponto de vista bastante pessoal se o filme é vendido como qualquer outro. As pessoas que vão ver o filme depois de terem assistido ao trailer sabem exatamente o que esperar, e elas se tornam os primeiros espectadores preciosos do meu trabalho. São eles que vão comentar com os outros em seguida. Se você manda as pessoas erradas à sala de cinema desde o primeiro dia de exibição, você mata o filme.

Você já tem outros projetos em vista?

Acabei de terminar o roteiro do próximo filme que pretendo fazer! Eu o enviei ontem mesmo ao ator que gostaria que interpretasse o protagonista. Estou esperando a resposta dele… Nessa história, questiono os últimos momentos antes da morte, para descobrir se ainda é possível corrigir os erros da vida. E se você quiser minha opinião, eu acho que é possível sim.

Tem aqueles filmes que você assiste e fica com aquela sensação incômoda. Um incômodo bom, se é que isso é possível. Isso fica remoendo aqui dentro por dias a fio, e ou eu tomo uma atitude, ou eu tomo omeprazol pra aliviar a gastrite. Pra mim, cinema que presta é esse, que mexe com a gente. Cinema que faz a gente levantar da poltrona, sacudir os farelos de pipoca do corpo e, a partir dali, ser uma pessoa completamente diferente da de cinco minutos atrás.

El Empleo ou The Employment, dos argentinos Santiago Grasso e Patricio Plaza, pega essa grande e pustulenta ferida social causada pela selvageria do sistema capitalista e a cutuca com um ímpeto que eu nunca vi igual. Se eu contar qualquer pedaço do roteiro, estraga. Mas dá pra adiantar o assunto: a sua vida. Isso aí. A minha, a do vizinho, a sua vida – ou vidinha, mesmo, porque o diminutivo cai como uma luva. Vida, esse artigo esquecido numa prateleira qualquer do tempo e do espaço. Esse conjunto de atos estúpidos, impensados, automatizados, sem sentido, que transformam todos em seus próprios carrascos. Calma, eu explico.

Você provavelmente já assistiu Click, com Adam Sandler e o brilhantíssimo Christopher Walken. O ápice do drama do protagonista acontece quando ele resolve acelerar o tempo e entra em uma espécie de piloto automático descontrolado, passando pela vida sem notar e sem aproveitar nenhum momento. Sem refletir sobre nada. Sem viver, enfim. Guardadas as devidas proporções e tirando a moral água-com-açúcar da produção Hollywoodiana, The Employment bate na mesma tecla, só que de um jeito muito mais certeiro. É como se o filme te chacoalhasse pelos ombros, gritando entre perdigotos: que por** você tá fazendo da sua vida? Já parou pra pensar? Já pensou em como você permite que o trabalho consuma seu tempo, sua mente, seu coração? E nas consequências do seu trabalho, você já pensou? Em quantas pessoas você humilha pra que a máquina continue funcionando; em quantas vezes você é humilhado? Deus do céu, a que ponto você chegou? Ah, e só pra avisar, nenhuma dessas perguntas é retórica.

Até aqui, nem cheguei a mencionar que El Empleo é uma animação – e note a ironia da palavra animação ao assistir o filme. A escolha dessa linguagem não foi aleatória. Em primeiro lugar, claro, o filme ficou um espetáculo estético de primeira linha –  mas tudo isso em nome de um propósito maior. Os traços das ilustrações, incríveis, os jogos de luz e sombra, as cores pasteis: tudo isso serve pra fazer você pensar e concluir, por si só, se o que está ali é pura ficção, uma metáfora qualquer ou se é a verdade mais pura, porém vestida com outra pele. Se ao terminar de assistir você se sentir incomodado, exatamente como eu estou me sentindo agora, você tem um grande problema, amigão. Se você não sentir nada, aí sim, você tem um problema maior ainda.

P.S.: Assista até o final. Os créditos guardam uma bela surpresa – quem sabe, por assim dizer, uma sugestão de como se livrar desse ciclo maligno. Se bem que essa resposta está dentro de cada um. Só falta coragem.

El Empleo / The Employment from opusBou on Vimeo.

Desde que deixou de ser mudo, tudo o que o cinema fez até hoje em termos de sonoplastia foi tentar arrancar som de tudo. Até chegar no ponto onde estamos, tudo era feito na mão, na base do microfone, tentaviva e erro. Isto significa quebrar, amassar, chacoalhar para criar explosões, efeitos, tiros e toda a sorte de barulhos que a gente pode imaginar. Hoje, uma mesa de som dá conta do recado. E o pessoal da cenografia agradece.

Se funciona com efeitos, funciona com música também. O vídeo aí embaixo é um achado, produzido e dirigido por Alexandre Vilela, diretor de criação da agência Young & Rubicam. Uma, porque se supera em técnica de edição e cria um vídeo incrivelmente bonito, resultando em um produto musical igualmente impressionante – deixa qualquer Mistery Guitar Man no chinelo. Outra, por transmitir toda a sensibilidade e a naturalidade de uma simples brincadeira entre pai e filhas. Na verdade, elas é que brincam de fazer música. De fazer cinema. Para a sorte do espectador, o pai leva a brincadeira bem a sério.

THE GIRLS ARE PLAYING from Alexandre Vilela on Vimeo.

Sentado na sala de cinema, o espectador contempla mais um trailer. Refrigerante na mão, pipoca no colo, ele observa atento as próximas tramas oferecidas. Na tela, atores falam em espanhol com trejeitos do século 16. Espadas, cavalos, lutas e todo um ambiente que remete à época de ouro da cultura ibérica. Não fosse por dois detalhes, o desavisado espectador acreditaria tratar-se de mais um filme da cinematografia espanhola a desembarcar no Brasil.

O primeiro detalhe é inquietante: em meio ao elenco liderado pelos espanhóis Alberto Ammann, Leonor Watling e Pilar López de Ayala, há dois rostos familiares. Um deles é o do brasileiro Selton Mello. O outro é de Sônia Braga, mas sua “internacionalidade” já não causa tanto espanto. O segundo detalhe anuncia o título do filme: “Lope, una película de Andrucha Waddington”, um nome bastante conhecido do público brasileiro. Curioso, ao chegar em casa o espectador lança a pergunta ao Google: “Andrucha Waddington + Selton Mello + Espanha”. A resposta é imediata: Lope, o quarto longa-metragem do diretor de Casa de Areia, Gêmeas e Eu, Tu, Eles.

Andrucha Waddington adora desafios. Quando se lançou na direção de longas-metragens, supriu na prática – com Gêmeas, último dos três episódios que compõem o filme Traição – a carência de uma formação cinematográfica tradicional. Em Eu, Tu, Eles, sua estreia em solitário nas telas, foi ao sertão filmar um universo sobre o qual não tinha mais referências do que qualquer jovem de classe média carioca. E, finalmente, com Casa de Areia o carioca chegou ao extremo de levar sua equipe para filmar num Nordeste inóspito, sem qualquer contato com a civilização. Lá, a equipe passou dez semanas imersa no ambiente da trama, passada em 1910, à mercê de condições climáticas e de produção adversas. Todos esses trabalhos foram frutos de uma apurada intuição e de rigorosas pesquisas de campo.

Era hora de um passo maior. E mais arriscado. Esse passo é dado agora com Lope. Longa-metragem inspirado na vida do prolífero dramaturgo espanhol Lope de Vega e o maior filme dirigido por Andrucha até hoje. Tanto em custo como em produção. Orçado em doze milhões de euros, Lope é uma coprodução entre Espanha e Brasil. As filmagens foram realizadas na Península Ibérica e no Marrocos e a grande maioria da equipe é espanhola. Seu financiamento é oriundo principalmente de fundos espanhóis. Vindos do Brasil, junto com Andrucha, Ricardo Della Rosa comandou a fotografia, Jorge Saldanha, o som e Sérgio Mekler, a montagem, que aconteceu paralelamente às filmagens.Mas por que um diretor brasileiro para dirigir uma história tão espanhola? Guardadas as proporções, seria como pedir ao espanhol Alejandro Amenábar (Mar Adentro, Os Outros) que dirigisse um filme sobre o dramaturgo brasileiro João Caetano. Era justamente esse estranhamento que os produtores espanhóis queriam: o frescor do olhar jovem e estrangeiro para dar vida a um dos ícones da dramaturgia espanhola. Com o currículo que tem, Andrucha mostrou-se o diretor ideal.

Mas o que mudou em Andrucha doze anos depois do début na ficção cinematográfica? “A quilometragem”, assume ele. “Fiquei mais seguro a cada filme.” Apesar de confessar sua insegurança, principalmente durante a pré-produção, ela acaba quando a câmera começa a rodar e aquele barulhinho da película gasta lembra onde, para quê e como será a história. “Começo a visualizar o filme depois de três semanas de filmagem. Foi assim com todos os meus longas. É o tempo necessário para se confiar no trabalho.”

Sobre os novos projetos, Andrucha é supersticioso: só fala quando estão prontos. Prefere assim. E agora é a vez de Lope. A estreia na Espanha acontece em setembro e no Brasil, no fim de novembro. Um filme espanhol com um belo sotaque brasileiro.

Que época mais oportuna senão esta, entre a fanfarronice do ano novo e as loucuras do carnaval, para falar de amor livre, desimpedido e irrestrito. O documentário Poliamor, de José Agripino, expõe uma questão que existe desde sempre, mas que encontrou espaço para ser discutida há pouquíssimo tempo: a poligamia. Melhor dizendo, não apenas expõe, mas debate, confronta e coloca o assunto para o espectador de forma natural e consistente, como deve ser.

Ainda não dá pra dizer que a sociedade está preparada e aberta pra falar sobre o assunto. Aliás, estamos bem longe disso. Mas é justamente nesse tipo de dificuldade que o cinema aparece como agente político e social, um paladino da justiça e do direito à opinião. Não é exagero meu. Um documentário cumpre seu papel plenamente e faz sentido apenas e tão somente se souber dosar seriedade e leveza, sem jamais ser sisudo ou esnobe; contrapor pontos de vista e conduzir a conclusão de quem assiste sem nunca impor uma única verdade. Ponto pro filme de Agripino.

Em depoimentos de pessoas que tem relacionamentos abertos ou poligâmicos, o filme traz à tela uma espontaneidade que pode, em um primeiro momento, até espantar quem assiste. Mas esse espanto logo passa, e nem poderia ser diferente. A edição favorece o filme de tal forma que o conteúdo fica fluido e tudo se encaixa – do ponto de vista técnico, esse é o principal ponto forte de Poliamor. É inusitada e interessante, também, a mescla entre testemunhos reais e cenas de ficção encenadas por três atores, apesar do clichê da cena de abertura, que entrega o jogo logo de cara e se arrasta por mais tempo do que devia.

Aqueles homens e mulheres não tentam, em momento algum, impor seus estilos de vida. Não estão pedindo para matar, roubar, fazer mal a alguém. Na verdade, não estão pedindo nada. Estão apenas amando, semeando os bons sentimentos por uma, dez, cem pessoas, que seja – um tapa de amor na cara da sociedade. Livre de culpas ou mistérios, o que fica deste curta é a reflexão sincera sobre os padrões que nós mesmos impomos, sobre a monogamia e, principalmente, sobre a monotonia.

Poliamor from Zé Agripino on Vimeo.